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L'età d'oro dell'animazione ci ha portato un tesoro di amati classici, molti dei quali per mano dei Nove vecchi della Disney.
In che modo questo collettivo di artisti ha rivoluzionato un intero settore? Molti ti diranno che tutto è iniziato con un mouse, ma noi lo sappiamo meglio. Il loro vero segreto era un manifesto creativo che delineava i 12 ingredienti che rendono grande l'animazione.
Questi 12 principi senza tempo sono rilevanti oggi come lo erano al momento del loro concepimento.
1. Schiaccia e allunga
Gli animatori non hanno modo di trasmettere le proprietà fisiche di un personaggio o di un oggetto se non attraverso segnali visivi sullo schermo. Molti animatori ti diranno che una buona animazione ha meno a che fare con il design e i manierismi dei tuoi personaggi, e più con la reattività della loro personalità e del loro aspetto a ciò che accade intorno a loro.
Schiacciare e allungare entrambi si legano alla tendenza dell'animazione a 'cartoonizzare' la realtà. Il movimento 'naturale' della palla che rimbalza sul terreno è esagerato dalla 'reazione eccessiva' della palla alla barriera.
2. Anticipazione
Stai animando una scena che si svolge in una piscina pubblica. Il tuo protagonista, un mite liceale, sta per saltare giù dal tuffo per la prima volta. È probabile che questo ragazzo timido non abbia intenzione di fare una schiacciata senza prima prepararsi emotivamente. Tutte queste considerazioni anticipatrici aggiungono una ricchezza distinta al tuo mondo.
I tuoi personaggi ora sono, improvvisamente, molto più che generici automi che popolano la scena. Sanno le cose. Sentono le cose. Evitano il dolore e gravitano verso ciò che li diletta.
Questo principio, per molti versi, ha molto più a che fare con l'abilità dell'animatore come narratore che con qualsiasi altra cosa. La chiave per anticipare è davvero nel modo in cui l'azione è scritta.
3. Messa in scena
Mise-en-scène è un termine nel mondo dei film d'azione. Si riferisce all'orchestrazione di elementi sullo schermo e al modo in cui l'autore usa questo spazio per ottenere il suo punto di vista. La stessa considerazione prosegue spiritualmente qui.
Creare la geografia dell'inquadratura con uno scopo ti consente di guidare l'occhio dello spettatore, mantenendo la sua attenzione esattamente dove vuoi. Tutto deve essere espresso in modo chiaro, deliberato e in un modo che potranno conservare per dopo.
4. Pose to Pose vs. Straight Ahead Animation
Scegliere tra dritto e posa per posare l'animazione sarà una delle prime decisioni tecniche che dovrai prendere prima di iniziare a capire le cose. Questa dicotomia rappresenta due distinte scuole di pensiero.
L'artista o traccia il suo percorso in anticipo, destinazione per destinazione, o semplicemente parte dal punto di partenza, esplorando l'azione che desidera mettere su carta senza ritegno.
Animazione da posa a posa
Diciamo che stai animando una donna che stende il bucato su uno stendibiancheria, per esempio. In realtà, non ci sono delineazioni nette e ordinate che suddividano questa sequenza in porzioni.
Un animatore che applica un approccio da posa a posa può iniziare con un fotogramma della donna accovacciata per raccogliere una maglietta. La prossima posa potrebbe essere lei in piedi con la maglietta tesa di fronte a lei.
Le pose vengono aggiunte fino a quando non si è occupata di tutto il bucato e lei si è ritirata per il pomeriggio. Hai disegnato solo cinque o sei fotogrammi, ma la scena è già stata creata in una certa misura.
L'animazione da posa a posa è un ottimo modo per lavorare se sei una persona a cui piace sapere cosa ti aspetta prima di partire. Questi primi fotogrammi sono noti come fotogrammi chiave. Tradizionalmente, questi fotogrammi sarebbero stati disegnati dai membri più esperti di un team di animazione.
Una volta che l'intera produzione era stata mappata, gli assistenti di livello junior riempivano gli spazi vuoti tra ogni fotogramma chiave per collegare questi punti di riferimento insieme all'azione.
Animazione dritto in avanti
Portare il tuo personaggio dal punto A al punto B dritto in avanti a volte ti darà nuove idee inaspettate. Mentre disegni, scintille di creatività possono rivitalizzare un'azione che può sembrare preconfezionata o meccanica se disegnata da posa a posa.
Sei libero di improvvisare e di fare uno o due giri di novità man mano che avanzi; non devi mai preoccuparti di incontrare qualcosa di specifico 20 o 30 fotogrammi lungo la linea. Se stai animando la musica, puoi contrassegnare ogni fotogramma su cui cade il ritmo della canzone per coordinare l'animazione e dargli una struttura ritmica.
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5. Azione sovrapposta e azione successiva attraverso
Quando le persone si muovono in modo naturale, il peso dei loro arti e quanto liberamente sono associati al tronco del loro corpo saranno entrambi immediatamente evidenti. Imitare questo effetto ha meno a che fare con la creazione dell'azione e più con il modo in cui il soggetto reagisce fisicamente dopo che l'azione è avvenuta.
Senza questi ornamenti aggiunti, gli oggetti oi personaggi che disegni potrebbero apparire rigidi e senza vita. Se i capelli di una bella donna sono più leggeri dell'aria, dovrebbero fluttuare intorno a lei mentre si muove invece di penzolare come spaghetti bagnati. O, peggio: non si muove affatto mentre sbandiera elegantemente attraverso la stanza.
6. Tempismo
Come narratore, sviluppare un senso di tempismo efficace non solo renderà il tuo lavoro migliore, ma renderà la tua storia più coerente, più incisiva e probabilmente molto più facile da digerire per il tuo pubblico.
Questa categoria può essere interpretata in senso ampio. Gli attributi fisici di ciascun elemento sullo schermo dovrebbero essere caratterizzati dalla tempistica del suo movimento.
È anche importante considerare quanto sia sintonizzato il tuo senso del tempismo drammatico o comico. Non puoi dare al tuo pubblico più di quanto possano masticare in una volta. Al contrario, vuoi anche evitare di annoiarli alla sottomissione con una cornice poco brillante o aria morta. L'equilibrio è fondamentale. Coinvolgili senza sopraffarli o confonderli.
7. Arco
Immagina un bambino che lancia una palla in aria. Quando la palla ricade, cade in avanti, secondo la direzione in cui è stata lanciata.
Dopo che la palla è atterrata, fare un passo indietro e tracciare il suo percorso in aria rivelerà una curva capovolta. Gli oggetti vincolati dalla gravità viaggiano in archi come questi ogni volta che il loro movimento sfida le leggi della natura. Tenere a mente questa tendenza ti consentirà di pianificare modelli di movimento che vendono.
8. Azione secondaria
Il lessico dell'animatore è pieno di sottili indizi subconsci. Durante le riprese in un contesto live-action, il vestito della tua protagonista le oscilla sui polpacci mentre si muove. Questa azione secondaria è eccitante per lo spettatore. Mantiene le cose in movimento.
L'azione secondaria può anche includere segnali emotivi. Il tuo personaggio giocherella con i pollici mentre cerca di spiegare una situazione insolita a un amico. Si emozionano mentre parlano; ogni azione secondaria dovrebbe essere un indicatore dello stato interno del personaggio.
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9. Rallenta e rallenta
Questo principio si riferisce alla tendenza storica degli animatori a 'radunare' il loro lavoro attorno a ciascun fotogramma chiave pre-disegnato, se utilizzano tale approccio. In sostanza, vengono disegnati più fotogrammi attorno a questi fotogrammi chiave di quanti ne siano disegnati ulteriormente nel mezzo, il che fa due cose per il pubblico.
Innanzitutto, enfatizza visivamente ogni fotogramma chiave, poiché viene impiegato più tempo per la transizione dentro e fuori da queste pose chiave di quanto non ne venga speso per la transizione tra di esse. In secondo luogo, riduce il tempo che il pubblico rimane in attesa tra questi momenti molto più significativi dal punto di vista narrativo.
Ciò che la gente vuole veramente vedere sono tutte le cose strane che punteggiano queste brevi pause trascorse viaggiando da una scena all'altra.
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10. Disegno solido
Sarà difficile da ascoltare per l'avanguardia tra noi, ma la tua abilità tecnica come artista avrà un ruolo significativo nell'efficacia con cui sarai in grado di trasmettere l'azione sullo schermo.
Rafforzare la prospettiva, lo scorcio e persino i principi della geometria di base mantengono ogni corpo diegetico solido come una roccia e completamente coerente fotogramma per fotogramma (quando i tuoi personaggi non sono troppo occupati a schiacciare e allungare, ovviamente).
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11. Esagerazione
Perché alla gente piacciono i cartoni animati? Cosa rende il mezzo più adatto ad alcuni tipi di storie rispetto, ad esempio, al live-action o persino a una performance teatrale?
Ci rivolgiamo al mondo dell'animazione quando la nostra visione va oltre ciò che può essere fatto fisicamente. Quando dobbiamo disegnare tutto nella scena dal basso verso l'alto, finiamo per avere molta autorità su come tutto finisce per apparire, sentire e giocare.
12. Appello
Come devoti irriducibili della Andrew Loomis School of Thought, crediamo davvero che questa parte venga da te. Il tuo livello di abilità, la tua esperienza personale e le tue passioni nella vita giocheranno un ruolo fondamentale nel modo in cui la pagnotta esce dal forno, per così dire.
L'appello può essere difficile da quantificare; alcuni affermano che non è niente che tu possa pianificare. La maggior parte di noi si butta al muro finché qualcosa non inizia ad attaccarsi; non c'è vergogna nel processo.
La tua arte ti sorprenderà e ti delizierà dopo aver disegnato per un po' di tempo. Tutto quello che devi fare è provare.
Animazione per principianti: dove andiamo da qui?
Dicono che ogni artista crei 10.000 disegni terribili prima di iniziare davvero a fare il loro lavoro migliore. La nostra filosofia: prima inizi, meglio è per finire.
I 12 punti precedenti sono tutti un ottimo punto di partenza per un principiante. L'unico modo per diventare un vero grande artista, tuttavia, è esercitarsi seriamente e con tutto il cuore ogni singolo giorno.
Uno scarabocchio al mattino? Una sessione di sketch dopo la scuola o il lavoro? Una volta che ci hai preso la mano, può essere un po' difficile rimettere a posto la matita.
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Emma Garofalo è una scrittrice che attualmente vive a Pittsburgh, in Pennsylvania. Quando non lavora alla sua scrivania in cerca di un domani migliore, di solito si trova dietro la macchina da presa o in cucina. Acclamato dalla critica. Universalmente disprezzato.
Altro da Emma GarofaloIscriviti alla nostra Newsletter
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